El sonido de Kora Karuna forja un nuevo folclor global, una música universal que expresa la unidad dentro de la diversidad. Kora Karuna es un encuentro de muchos mundos.

Construido alrededor de la kora (arpa artesanal Africana) sus canciones combinan lo ancestral con lo contemporáneo para sorprender y enganchar públicos e inducir un ambiente de celebración participativa. Ecléctico y accesible, fusiona elementos de rock, pop, jazz y folclor, utilizando instrumentos y ritmos de todo el planeta. Una presentación de Kora Karuna, más que un concierto, es un ritual que se debe apreciar en vivo y en directo.

Siendo el organizador del mayor festival alemán de Handpan en Berlín, Townsend es bien conocido dentro de la comunidad de Handpan. Habiendo tomado el Handpan hace poco más de siete años, obtiene su influencia de su experiencia musical como baterista en varios proyectos (Jazz, Rock, Latin, Hiphop, Triphop, Balkan) a lo largo de veinte años.  El Handpan de su elección es Sunpan.

La Legión es un grupo de percusión con señas conformado por 11 percusionistas profesionales de Colombia, Ecuador y Argentina, con sede en Bogotá. Proponemos un espectáculo musical donde a partir de un nuevo concepto basado en la percusión dirigida con señas, la improvisación, la fusión de sintetizadores y percusiones del mundo, logramos conectar de forma natural con el baile, la euforia y el poder del ritmo. Un show donde a través de un lenguaje musical de más de 90 señas, el director y los músicos logran comunicarse en tiempo real para componer una fiesta de tambores donde cada show es único e irrepetible y donde en cada fecha jugamos también con diferentes invitados melódicos.
Taller
El taller legionario es un espacio diseñado para entrar en contacto con las nuevas formas de entender el ritmo. Los conceptos que se trabajan en estos talleres son nuevas síntesis o procedimientos rítmicos que utiliza La Legión. Analizando elementos ya presentes en las grandes tradiciones de percusión que dan origen y sustento a muchas de las señas del lenguaje de ritmo con señas. Los conceptos que se verían en este taller serian:
– Fuerzas constructivas: Del análisis de las más diversas músicas surge una categorización de los varios lenguajes rítmicos que se pueden encontrar en todas ellas. Definiremos, nombraremos y aprenderemos a identificar esos lenguajes y las fuerzas rítmicas que expresan, de manera que se conviertan en materiales y conceptos útiles a la hora de componer, dirigir e improvisar en ensamble.
– Claves: Veremos una teoría que nos permita entender la idea de clave como herramienta de análisis musical de las músicas bailables del mundo, en cualquier tipo de métricas. Una vez asimilado el concepto, la clave se convierte en una herramienta de análisis de gran ayuda a la hora de componer partes efectivas e interesantes, y de detectar y resolver problemas rítmicos.
La metodología de trabajo incluye la explicación teórica, investigación, análisis de los temas a tratar y un final de ensamble de percusión dirigida por ritmo con señas.
Este taller potencializa la comprensión, la improvisación, la composición de una manera rítmica. Logrando revelar de manera directa conceptos rítmicos presentes en todas las músicas bailables.

Agrupación legendaria, que ha sido la universidad del reggae y de los sonidos caribeños e insulares en Bogotá.
Rescata en el presente los sonidos del pasado, su música evidencia el patrimonio cultural de San Andrés islas y de sus cultura creole.

Eduardo Bryan Mclean: Bateria, voz, quijada
Álvaro Gaviria: Guitarra, mandolina
Pablo Araoz: Bajo

Agrupación conformada en 2012 en Taiwan que cocina sonidos de cumbia de varias sabores, con condimentos de psicodelia, reggae y música de los balcanes. Siempre compartiendo el alimento del baile, la alegría y el mensaje positivo a la madre tierra.
Han grabado 3 albums, Cumbiamberos (2014), Pachamama (2015), Sensacional (2021). Se han presentado en diferentes festivales del mundo, haciendo giras por Taiwan, Japón, España, Francia y Guatemala.
Se presentan por primera vez en Colombia.

Zoraida Evelina Rojas: Voz
Carol Ávila (Guatemala): Bajo
Fao Torres: Sintetizadores, campanas
Ya Chien Lin 林亞蒨 (Taiwan): Maracas, guacharaca
Luis Eduardo «gato» Garzón: Alegre
Nacho Pilonieta: Guitarra
Rose Goossen (Canadá): Trompeta
Carlos Gómez Montoya: Saxofón (Invitado)

Este año en el festival presentara «Les AnimaLes», una obra conceptual que refleja el poderoso mundo espiritual de los animales e invita a la escucha reflexiva en torno al fenómeno musical que surge entre la muerte, los sonidos y la memoria de los pueblos ancestrales. Usando lo que el llama «fonoanimología», música hecha a partir de instrumentos hechos con restos físicos de animales como piel, hueso, pluma, caracol y caparazón, de 9 animales según el principio cosmogónico andino de los tres mundos Hahan-Pacha, mundo de arriba (pelicano, condor, guacamayo), Kay-Pacha, mundo del centro (jaguar, llama, venado) y el Uku-Pacha (caracol marino, serpiente y tortuga).
Esteban Valdivia
Licenciado en Composición Musical (UNVM -Argentina), Magister en Historia y Antropología de América (UCM – España). Intérprete, constructor e investigador argentino especializado en instrumentos musicales precolombinos. Actualmente se desempeña como investigador especializado en arqueomusicología produciendo a lo largo de su carrera varios documentales audiovisuales y libros internacionales acerca del saber musical de las culturas ancestrales americanas.

Arte sin pausa

Taller de danza de África occidental: El tambor encarnado: Reconocer el corazón como motor de un cuerpo que es tambor, que es vehículo para llegar al bienestar del espíritu y que desenrolla en cada esquina de su volumen, el potencial del que es capaz.

Taller de percusión africana: Del Cielo a la Tierra: Respiración, cuerpo, movimiento, tambor. El ritmo de cada cuerpo respirante, caminante, danzante, cantante, improvisador. Aproximación a la relación cuerpo-tambor, trascendental en la vivencia de tradición africana y del planeta Tierra. Expansión, contracción. Tensión, relajación. Impulso, percusión. Relación y disociación respiración-movimiento. Por medio del reconocimiento de los ritmos autónomos y los ritmos conscientes del cuerpo humano, se establecen mecanismos para percibir y sostener el pulso: esa sensación que en algunas culturas parece inseparable de las acciones cotidianas

Concierto: La Gran Chócolo: Es el producto de espacios de investigación, practica y formación de Arte sin pausa. Es una puesta en escena multidisciplinar e interactiva en torno al tambor, la danza y la palabra inspirada en la cultura tradicional de África occidental.

David Alfonso es un músico empírico, baterista de metal y músico de los semáforos de Bogotá. Ha creado un proyecto llamado Street Drvms.
Es un proyecto de experimentación y reproducción de sonidos que utiliza instrumentos no convencionales como tarros de pintura, láminas de metal, barras he hierro, ollas, llaves, platillos, etc. El proyecto involucra sus influencias de experimentar con el rock, electronica, noise, paisaje sonoro, lo-fi y los dispositivos análogos.
En 2021 lanzó su sencillo Traxmutación con el proyecto «Con la oreja en la calle» de la productora Diario Sonoro Latinoamericano.

Un proyecto que inicia con ansias de investigar y desarrollar para Latinoamerica uno de los instrumentos mas antiguos sobre la tierra por mas de 12 años hemos venido descubriendo y aprendiendo nuevas técnicas, formas de construcción mejoras , trabajo acústico como también el desarrollar un método pedagógico en el que todo aquel que se interese en este maravilloso instrumento pueda aprender sobre el tanto como su historia evolución musical desarrollo técnico y nuevas técnicas contemporáneas y estilo que se van desarrollando en el mundo.

En los últimos 20 años de viaje por el mundo, Anthar ha compartido la sabiduría del Fuego Sagrado y el Sonido Ancestral y su conexión con el reino animal, vegetal y mineral. Ha dirigido ceremonias tradicionales, talleres, conciertos de música sagrada, sesiones privadas de curación, conferencias y retiros en 17 paises. Es el director y fundador de la Escuela Ancestral y Tambora Foundation en Colombia y el Reino Unido. Así mismo es codirector de la primera escuela de Sound Healing en Escocia, ANSU School of Sound y fundador de Ancestral Pathways escuela en Inglaterra.

Son Pasao es un trío de Son cubano-colombo-rolo-palenque nacido en Bogotá en el año 2012. En estos 10 años de experiencia el grupo ha podido crear, consolidar y madurar un lenguaje donde interactúan las diferentes influencias de los músicos.

Sus presentaciones en vivo son poderosas y alegres. Siempre con un sonido rico en  tumbaos, melodías y armonías, fusiona diferentes géneros como el son cubano, el son palenquero, la salsa brava, mambos, boleros, cumbias y el afrobeat.

Con un repertorio de temas propios y temas clásicos, su música viaja entre lo afrocubano y lo afrocolombiano, entre el mar caribe y la cordillera andina, creando un ambiente perfecto para el espíritu bailador del público.

Javier Pinto “Pelos”
Bajo eléctrico, contrabajo, coros, arreglos, composición y producción.
Ignacio Pilonieta “Nach”
Guitarra, tres cubano, voz principal, coros, arreglos, composición y producción.
Andrés Henao “Conga Azul”
Multi Percusión (Congas, clave, campana y maracas), coros y composición.

Poesía y música
En esta obra se explora la poesía y diversas corrientes de filosofía conjuntamente con elementos de folk y guitarra acústica en vivo.

Apócrifo & Mnemosyne nace como proyecto artístico en el año 2022 a partir de la unión artística de las composiciones musicales de José Fernando Cruz Garzón “Mnemosyne” con las poesías y aforismos del filósofo Álvaro Giovanny Cruz Garzón «Apócrifo”. El objetivo de tal unión es compartir la experiencia de la conexión una síntesis de diversas corrientes filosóficas del mundo, desde la experiencia ritual de la atmósfera poética y musical para ofrecer un espacio de unión, reflexión y meditación que nos una en una sola tribu, haciéndolo juntos como público y artistas.

Así Mismo surge como propuesta sonora en el año 2016 a partir de las vivencias que sus integrantes (Camilo Bartelsman y Camilo Cubillos) han compartido en procesos investigativos y creativos, paralelos a los grupos de los que forman parte: la Banda de flautas Chicha y Guarapo y El Supersón Frailejónico. Experiencias que han estimulado el acercamiento y la interacción con músicas regionales predominantemente del suroccidente y los andes orientales colombianos como  la música de flautas y tambores caucanos (chirimía) y los torbellinos, guabinas, rumbas y demás, englobadas en el macro género Carranga.

A partir del contacto con estas sonoridades, se detonan preguntas en torno a las posibilidades rítmicas que subyacen en la matriz de estas Músicas, que evidencia una columna vertebral sonora transversal al desarrollo de los procesos creativos de cada región.

Han participado en eventos como el Festival Distritofónico Percusionero (2017), Festival de Músicas Extremas y Extrañas El Marrano No Se Vende (2019), Taller de Alto Desempleo (2020) y el Festival Caballito del Diablo (2021) en el Teatro Libélula Dorada, además de hacer parte de la programación de espacios culturales como Matik Matik en Bogotá.

Zeinfinito es una agrupación musical colombiana, conformada por Yoko Zein y Nico Infinito. Una artista visual y un compositor que decidieron unirse como pareja hace 10 años y consolidar sus creaciones artísticas, fusionarlas para transmitir a través de sus sonidos alegría, amor y consciencia. Su música es una constante exploración, de ritmos colombianos y música electrónica.

Las composiciones son creadas en momentos de profunda meditación, son canalizadas por medio de mantras dados por la hermandad blanca y se convierten en ofrendas a la Madre Tierra, a la luz divina, a los estados elevados de expansión y a la simplicidad del estar aquí y ahora. En su más reciente lanzamiento GAIA pueden escuchar el nuevo sonido que caracterizará el álbum Rumba Mística, que será lanzado en el transcurso del presente año.

El taller va a abordar diferentes ritmos de músicas ceremoniales de Africa del Norte, Algeria, Marruecos, Egipto. Ritmos tocados en diferentes instrumentos como darbuka, bendir, platillos e inclusive con las palmas y la voz.
Además presentará en nuestro festival su más reciente CD
“Rhythmology: Learn North African Rhythms”.

Salim Beltitane (Algeria/Francia)

Percusionista de origen argelino, que nació en una familia de músicos. Influido por esta herencia cultural, se crió en la música argelina y árabe mientras descubría el universo de la percusión. Estudió primero en El Cairo (Egipto) y luego en Francia donde vive actualmente. Toca varias percusiones y repertorios como clásica, folclórica, jazz árabe, fusión o música del mundo.

No te pierdas de una espectacular rueda de capoeira con el Grupo Capoeira Brasil – Profesor Macarrão Preto
y su batucada!
Entrada libre a las afueras de la biblioteca Virgilio Barco

Ensamble fusión, conformado por músicos de gran trayectoria nacional e internacional, experimentan la música de Colombia y el mundo generando una mezcla de diversas expresiones sonoras interpretadas de manera tradicional y contemporánea.
El repertorio consta tanto de música original como música del repertorio tradicional de marimba, Gaita, y otros que se encuentran en un caldo primordial y mestizo de sonidos del mundo.

Giuiliano Ferreira: percusiones
Jorge Galicki: guitarra
Juan David Castaño: Marimba (Invitado)

El Instituto Rey Sejong Bogotá es especializado por programas culturales, introduciendo la cultura tradicional coreana, así como la cultura popular. El Instituto Rey Sejong Bogotá ha apoyado continuamente al club Samulnori compuesto por estudiantes. El grupo de Samulnori llamado actualmente Hanbia, nace en 2015 en Bogotá tras la visita del profesor Kim Dong Gug quien llega al instituto Sejong desde Corea para transmitir su conocimiento sobre el Gugak durante tres meses, a partir desde este momento se dio una motivación por la difusión y conocimiento de la cultura por lo que se integraron al grupo estudiantes del instituto apasionados por la cultura tradicional, manteniéndose algunos miembros desde su fundación hasta la actualidad.

Actividades realizadas:
– Día Nacional de Corea, 2015, Cena de veteranos y descendientes de guerra de Corea
– El festival gastronómico internacional ACDAC 2016 y 2017.
– La conmemoración de los cien años del movimiento por la independencia del primero de marzo, 2019.
– La cena anual de exbecarios Koica, 2019.
– Las presentaciones en las visitas de los dignatarios de Corea del sur, el exPrimer Ministro Lee Nak-yeon y el exalcalde de Seúl Park Won-soon, 2019
– El aprendizaje y practica desde artistas de los grupos tradicionales de Corea como: Hanullim Samulnori (liderado por el maestro Kim Duk Soo), Kokduse, Choori, y en cabeza del maestro Kim Won-min.

Integrantes:
– Maria Piedad Herrera Rocha
– Vanessa Beltrán Yonda
– Emil Bravo
– María Paula Fonseca Martínez
– Daniela Martínez Rodríguez
– Paula Andrea Prieto Londoño
– Laura Carolina Ramírez Ramos
– Laura Marcela Herrera Rocha
– Carolina Sánchez

Este proyecto se fundamenta en la exploración de melodías, sonoridades y tímbricas con flautas de diferentes partes de mundo, que viajan en ritmos de Bambuco, Pasillo, Marcha, y Música Tribal. Los sonidos de los instrumentos de viento, como El Bansuri, EL Didgerido y la variedad de flautas de bambú y de madera, se entretejen en melodías improvisadas y armonías contemporáneas, sostenidas por el latido del tambor. Este proyecto invita al oyente a imaginar y reflexionar sobre la importancia del cuidado de la naturaleza, de los ritmos tradicionales y las comunidades ancestrales.

Carlos A. Pineda
Licenciado en Pedagogía Musical de la Universidad Pedagógica Nacional, Magister en Musicoterápia de la Universidad Nacional de Colombia. Intérprete, Compositor, arreglista y Pedagogo de la flauta traversa de llaves, en el contexto de las músicas regionales de Colombia. Se desempeña como formador en las áreas de flauta y Teoría, de la Academia Luis A Calvo, ASAB, UDFJC.

Alexander Ascanio
Maestro en Artes Musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Academia Superior de Artes de Bogotá. Actualmente se desempeña como asistente de Coordinación de la Academia Luis A calvo. ASAB. UDFJC.

José Otálora García
Se Inicia en la guitarra a los 10 años, estudiando el repertorio popular Colombiano, posteriormente realiza estudios de guitarra clásica y popular en el Centro de Orientación Musical Cristancho; actualmente se desempeña como profesor en el Instituto de Cultura y Turismo de Tenjo en el área de Músicas latinoamericanas.

El Handpan, también llamado hangdrum, es un instrumento que proviene del Hang creado por la compañía PanArt en el año 2000, basado en el Steelpan (Trinidad y Tobago).

Efrén Ramirez
Músico de cuna, de tradición oral, Multi-instrumentista, pedagogo y músico terapeuta, explorador de experiencia el sonido y su posibilidades creadora y transformadora, convencido del poder de la música como elemento fundamental para la construcción del ser y las múltiples formas de comunicarse con lo otro, con el otro

Fao To
Músico, compositor e Interprete de handpan desde 2014. Director del proyecto Fluido Cósmico. Sú música explora polirrítmia y la técnicas extendidas.

David González Castro
Constructor de handpans basado en Bogotá, durante años ha estudiado y refinado este arte, así mismo goza y comparte su música, conozca más de él en www.sinesama.com

Ric Dragon (USA)
Es pintor, escritor y percusionista originario de los Estados Unidos, reside en la fundación ArteSumapaz en Cundinamarca. Su música se basa en patrones rítmicos, usualmente usando la técnica India del Konnakol, un lenguaje de percusión.
Foto por: Marcela Sanchez

En esta obra para Sitar y computador se explorarán conjuntamente elementos de la música clásica india sumados a la experimentación con electrónica en vivo. Habrá fragmentos compuestos e improvisados en base al raga Bhairavi y se incluirán mantras basados en la emoción/palabra Shanti, la cual en idioma sánscrito significa paz.

Rodrigo Restrepo Pabon

Compositor, experimentador y artista sonoro, es graduado de composición de la Universidad de los Andes y del programa de maestría Experimental Sound Practices del California Institute of the Arts. Fue iniciado hace algunos años en el estudio del sitar y la música india por Ustad Aashish Khan, de quien actualmente recibe lecciones.
Ha trabajado como pedagogo en varias universidades del país. Actualmente es profesor del Departamento de Música de la Universidad de los Andes.

“El símbolo del Sufismo, es la Rosa. El tallo es el Camino, que está compuesto por espacios y espinas -dolores y alegrías- como la vida misma. La Rosa es la belleza de las creaciones de Dios, los 18.000 Universos creados -visibles e invisibles-. La Esencia, el Perfume, Dios, el Objetivo del buscador, del viajero, es transformarse en Perfume” Sabiduría Sufi.

En Gulistán, Jardín de rosas; el amor humano encarnado en el cuerpo de una mujer, se funde con el amor divino en una danza de entrega. La experiencia corporal de la finitud recuerda nuestra condición efímera en búsqueda de trascender el tiempo hacia el encuentro con el ser infinito. En esta danza mística emerge el deseo de unión con la unidad que encuentra el éxtasis al fundirse en la danza extática y sagrada del giro. Todo lo que no es Unidad, se destruye: “Iré a coger rosas del jardín, más el perfume de la rosaleda me ha embriagado, El amor es fuego, todo quema.” (Saadi Shirazi)

La presentación estará acompañada por daf y ney.

Jimena Quintanilla Parra (Honduras/Colombia)

es bailarina de danzas orientales, arquitecta, magíster en Educación Artística con estudios de maestría en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia, directora de la Compañía Al-Zuhara Dance Studio (2009) e Integrante de la Fundación Internacional Mevlana Colombia. Investigadora del movimiento, su práctica atraviesa los lenguajes artísticos: poesía, escritura, performance, danza, dibujo y arquitectura. Desarrolla su practica en torno a la respiración, la danzas de giro y el movimiento natural orgánico de las danzas orientales. Profundiza sus estudios en Turquía en el año 2012 donde estudia las danzas del Asia Central, las danzas del corazón y las danzas sagradas de sanación. Dentro de sus proyectos actuales se encuentran: Poéticas Corporales (cor-poéticas del vacío, poéticas de la rosa, la danza que nace del interior) Gira latinoamérica (whirling latinoamérica, Baksi Latinoamérica, girando espacios, la ruta de haqq), Dilucidaciones en Fusión Naranja (dramaturgias in-situ).

Diana Waldron es una sitarista y escritora del estado de Nueva York, Estados Unidos. Comenzó su estudio de la música clásica del norte de India en el sitar en 2014 con el maestro de sitar Acharya Roop Verma, alumno de Pandit Ravi Shankar y Ustad Ali Akbar Khan. Tras su fallecimiento, ella comenzó a estudiar (y continúa estudiando) con su hijo, el sitarista Arjun Verma, alumno de su padre y del maestro Ali Akbar Khan.

En coreano, las palabras “sa” y “mul” significan “cuatro cosas”, y “nori” significa “jugar”. En el caso de Samulnori, se refiere a cuatro músicos que tocan y bailan al son de cuatro instrumentos de percusión diferentes. Esta emocionante interpretación artística realizada por sus intérpretes, mientras están sentados en el piso, consta de 4 instrumentos de percusión tradicionales: kwenggwari (un gong pequeño parecido a un disco metálico), janggo (tambor de reloj de arena), buk (tambor de barril) jing (un gong grande).

El ensamble puede variar de formato, pero por lo general se
presentan como cuarteto. Los orígenes de su música se sitúan en lo que comúnmente se refiere como música “campesina” (“nong-ak”), y música ceremonial. El repertorio de Samulnori integra también influencias de música folclórica y religiosa, y sus
ritmos combinados han permitido conformar un estilo único.

Dong-Hwan Kim (Corea del sur)

– Director de la compañía de Arte Tradicional de Corea CHOORI
– Culminó estudios de Bukcheong Sajanoreum (Baile con la máscara de León, Patrimonio Cultural Inmaterial Nacional No. 15)
– Jefe de Pungmul en la Asociación de Gugak de la ciudad de Siheung.
– Profesor asociado, Departamento de Artes Escénicas Tradicionales, Universidad de Sehan.
– Licenciatura y Maestría en la carrera Arte Tradicional Yeonhee de la Universidad Nacional de Artes de Corea.
– Desde 2013 ha presentado en varios festivales y teatros de Corea, Colombia, Italia, Praga, Japón, Asia Central, etc.

El manejo de la música de trance, desde tiempos antiguos la música ha sido la herramienta complementaria para acompañar y guiar los estados alterados alterados de consciencia a través del uso de diferentes plantas maestras.

Dentro de mi experimentación y búsqueda he podido desarrollar una música con una gran carga de ritualidad y de alta vibración utilizando los conocimientos técnicos de los diferentes instrumentos que ejecuto y llevándolos en una propuesta improvisativa donde prima la conexión que otorgan cierto tipo de plantas sagradas. Será un taller musical donde se pueda compartir conocimiento acerca de las formas de usar las armonías, ritmos y sonidos en el contexto ceremonial.

Mauricio Vicencio Alquinta (Chile)

Mauricio Vicencio Alquinta Músico y compositor, director del grupo Altiplano de Chile, investigador de la música ancestral Latinoamérica e interprete y constructor de multiples instrumentos de viento y cuerdas.

Guía de ceremonias terapéuticas musicales con medicina ancestral. Compositor de grandes obras musicales como Naymlap en génesis de la música, El Reino del Yagé, Mullupacha, Taromenani el Exterminio de los Pueblos Ocultos, Visiones Musicales del Pasado Precolombino,La Misa Andina y otros.

* Pachamama Project «Europa»
* Pansori (Corea)
* Estatuillas sonoras (Ecuador)
* Músicas y ritos de Persia (Iran)

Este taller surge del querer compartir la experiencia de vida, musical y danzada, de un cuerpo Mujer, Madre. En África, Guinea- Conakry, la puerta de mi percepción se amplió, fue una poderosa lección de vida. Sentí que nada podría asemejarse en asombro, desconcierto, en grandeza. Solo haber parido me mostró una puerta mayor. Los dos cauces, que susurran el eco de SA TA NA MA (Infinito, Vida, Muerte, Renacer), me mostraron la Muerte en Vida; estas aguas de este vientre hablan del olor a la tierra que mece la Sanación al Danzar. Ha llegado el tiempo de ennegrecer la mirada. De trasplantarnos a un mundo que no tiene nombre, en donde el tiempo, el espacio y el ancestro están unidos al ombligo del Universo: el ritmo. Partiendo de la premisa del plexo solar como motor de movimiento en la danza afro, se explora la relación entre la respiración, la activación energética a través de la columna vertebral, y la extensión de dicha energía en las extremidades del cuerpo, de manera que el flujo versátil entre la contención, la proyección, el equilibrio y la espontaneidad sean posibles en un mismo esquema o partitura creativa.

Vivian Andrea Ladino Rodríguez

Mujer, madre de Anahata, cuerpo danzante e investigadora en artes de herencia africana desde 2009 (danza yoruba y guineana); Fitness Coach Pre y Post Natal (2020); Trainer Low Presure Fitness y Profesora de yoga y salud prenatal y postnatal Happy Yoga Nutre, en formación; Becaria del programa del ICETEX Artistas Jóvenes Talento (2015); Socióloga de la Universidad Nacional de Colombia (2010).

Desde hace milenios las culturas ancestrales de América han desarrollado para sus ceremonias una gran cantidad de objetos sonoros que permitieron crear atmósferas sonoras especificas para sus costumbres rituales. Fue tan importante la música para sus dinámicas culturales que la creación de objetos sonoros fue especializándose encontrando en la cerámica uno de los avances más importantes a nivel acústico.

Es por ello que en esta conferencia exploraremos el universo sonoro americano que se creo a través del barro y sus diversos sistemas acústicos centrándonos en una región especifica de América, el área septentrional andina, que abarca norte del Perú, Ecuador y el sur de Colombia. Este territorio guarda en su acervo arqueológico diversos objetos sonoros únicos en el mundo como es el caso de las botellas silbato -Cultura Chorrera-, las estatuillas sonoras -Cultura Jama Coaque- y las trompetas de caracol marino hechas en cerámica -Cultura Carchi Pasto-. A través de estos tres ejemplares descubriremos el pensamiento musical que guardan estos objetos y aprenderemos los grandes avances tecnológicos que desarrollaron los alfareros precolombinos para lograr piezas con sonidos y sistemas acústicos únicos en la organología mundial.

Esteban Valdivia (Argentina/Ecuador)

Licenciado en Composición Musical (UNVM -Argentina), Magister en Historia y Antropología de América (UCM – España). Intérprete, constructor e investigador argentino especializado en instrumentos musicales precolombinos. Actualmente se desempeña como investigador especializado en arqueomusicología produciendo a lo largo de su carrera varios documentales audiovisuales y libros internacionales acerca del saber musical de las culturas ancestrales americanas.

Dentro de sus libros más destacados se encuentra “Música y sonidos en el mundo andino” editado por la universidad de San Marcos de Lima y la serie “Coloreando Memoria Maya” acerca de la iconografía ritual de la cultura Maya. Cuenta con una extensa discografía, con más de 12 producciones musicales, la última destaca por ser un disco audiovisual llamado “Visiones Sonoras” realizada junto al pintor Darwin Ruiz de Ecuador. Ha realizado giras internacionales difundiendo a través de exposiciones, recitales, conciertos didácticos y conferencias, los instrumentos ancestrales americanos por diversos países: México, Perú, Ecuador, Chile, Argentina, España, Portugal, Francia, entre otros. En la actualidad se encuentra realizando el doctorando en Historia y Arqueología (UCM).

Ukamau, agrupación fundada por jóvenes de la comunidad indígena Kichwa – Otavalo, nacidos en Bogotá, Colombia.
Su nombre, cuya expresión en idioma aymara traduce “así somos”, lleva consigo la responsabilidad y el objetivo de que su propuesta una, represente y aporte a las sonoridades y saberes musicales de la cordillera de los andes, todo esto enfocado en apoyar el proceso cultural y formativo de las raíces andinas y de su propio pueblo Kichwa-otavalo.

En la experiencia propia de cada uno de sus integrantes, sus viajes en distintas partes del mundo representando nuestra música andina, actualmente UKAMAU está constituido por sus tres fundadores: Raúl Tuntaquimba en los vientos principales, Sergio Tuntaquimba en la voz principal y charango, Eduardo Conejo en voz principal y guitarra; David Montes en el bajo; Juan Sebastián Tuntaquimba en los segundos vientos y Daniel Conejo en las cuerdas tradicionales como el bandolín ecuatoriano, mandolina peruana, segunda guitarra y percusión. No se pierdan de este viaje musical brindado por el Grupo Ukamau. 

Es una agrupación conformada en 2018 por Jorge Currea y Gabriela Sossa, músicos de amplia experiencia y trayectoria en la escena bogotana.
Dentro del marco de las nuevas músicas colombianas, DanzaColibrí instaura una alquimia musical única que entrega una experiencia sonora de alta calidad.
Partiendo de las cadencias colombianas y nutriéndose de las sonoridades latinoamericanas y de otros continentes, esta propuesta se aventura a difuminar las fronteras entre estereotipos y estilos a través del juego y la exploración creativa en un formato de dueto acústico que conjuga armoniosamente voces, cuerdas pulsadas y multi-percusión.
A la fecha Danza Colibrí cuenta con dos trabajos discográficos: SOMOS (2018) y VOZ DE LA TIERRA (2020).  Actualmente la agrupación se encuentra realizando la producción del Videoclip del sencillo SELVA. Paralelamente trabaja en el lanzamiento de cuatro sencillos musicales como puente hacia su próximo trabajo discográfico.

Nueva música étnica, que nace en el 2011, de la unión de 3 amigos y maestros, quienes, desde hace años, comparten su interés por el conocimiento, interpretación y arreglos de las músicas ancestrales de los pueblos indígenas, afrodescendientes y campesinos de Colombia y América.
En formato trío acústico, Hombre de Barro es hallazgo sonoro que trae melodías antiguas entre los pases mágicos del jazz y la voz de los ríos y la selva.  Cuando se juntan los sonidos de estos 3 hombres, los territorios se manifiestan, brotan del corazón de la tierra, nos recorren en las huellas de barro y lodo antiguo, que se moldea y nutre con el canto de las aves y el sonido del viento, abriendo nuevos pasos a los caminos de retorno al origen, caminos que crecen y se desentrañan en las grietas del asfalto por donde respiran las urbes.

Urián Sarmiento: Percusiones, flautas
Juan Manuel Toro: Cello, flautas
Teto Ocampo: Guitarra, flautas

 En el año 2013 graban su primer trabajo para el sello español «Wuapapura» en el municipio de Puerto Nariño (Amazonas Colombia), hogar de tres culturas indígenas: Ticuna, Yagua y Cocama, que se encuentran en amenaza de desaparecer. A pedido de los músicos, estas grabaciones tuvieron lugar en la selva amazónica colombiana, en colaboración con la Fundación Raíces Vivas. La apuesta de Wapapura estaba en grabar este álbum con un estudio portátil que funciona con energía solar. Las grabaciones se realizaron en la Maloca, casa de pensamiento ancestral de la comunidad, donde se llega adentrándose en la selva unos 45 minutos desde Puerto Nariño. Esta agrupación también ha participado como productor musical en la serie de Tv “Originarios” de Canal 13 en el 2020.

Daniel Makovej (Hungria/Colombia)

Músico Colombo-húngaro egresado de la Universidad Distrital (ASAB), de la escuela de música Fernando Sor, del Instituto Balassi en Hungría,  multi instrumentista, compositor e investigador de músicas del mundo.

El Gong recalibra el cuerpo físico ,emocional y espiritual liberando bloqueos de la mente subconsciente. Tiene un efecto rejuvenecedor ,estimulante y revitalizante. Actúa en el sistema inmunológico, neuro endocrino, nervioso y glandular. Ayuda a la regeneración celular y lleva a un estado de relajación y meditación  profunda. Su sonido y vibración tiene muchos beneficios reduciendo el estrés, la ansiedad, las adicciones ,el insomnio además de aliviar dolores físicos. 

Favor llevar yoga mat o similar para acostarse cómodamente
No se puede entrar al baño de gong después de iniciado.

Daniel Makovej (Hungria/Colombia)

Músico Colombo Hungaro egresado de la Universidad Distrital (ASAB), de la escuela de música Fernando Sor, del Instituto Balassi en Hungría,  multi instrumentista, compositor e investigador de músicas del mundo.

4 piezas clásicas para guqin, de diferentes estéticas (Taoista, confucionísta, budista). El guqin es un instrumento chino de 7 cuerdas, ha sido interpretado desde los tiempos antiguos, como instrumento preferido de eruditos por su carácter sutil y refinado (Lao-Tze, Confucio). El recital estará acompañado de caligrafía china en vivo, usando poesías relacionadas con cada pieza musical.

Fao (Colombia)

Músico, compositor, que vivió 10 años en Asia investigando músicas tradicionales. Desde el 2009 estudió guqin en Taiwan con la maestra Chen Wen (陳文)

Ya Chien Lin 林亞蒨 (Taiwan)

Diseñadora gráfica, artista y música, fue parte del reconocido grupo de danza «Leyend Lin Dance Theatre». 

Epiara Murillo

Hacemos parte del proceso autónomo de recuperación sobre la identidad cultural Muisca, en Ráquira Boyacá. Allí venimos desarrollando dentro las matrices de pensamiento, el canto y la danza como vehículo pedagógico para la formación humana y colectiva, en donde el sonido y el movimiento posibilitan antiguas-nuevas formas de percibir la realidad y recompone la fragmentación y distancia creada del ser humano frente a sí mismo, frente a la naturaleza y a sus relaciones con los otros y con lo otro.

Aún desde la perspectiva de la música que se ha identificado como canónica en la historia de occidente, los compositores, en tanto seres humanos, han enfrentado las contradicciones y tensiones de una identidad creativa, que, lejos de ser festiva y dichosa, las mayoría de las veces es conflictiva y dolorosa.
En esta charla nos remitimos a músicas ceremoniales de diferentes autores. Las articula el nivel emocional del compromiso del reto asumido, el compromiso personal con la ceremonia correspondiente y la certeza de que cada expresión es personal y auténtica.
Se celebra a discípulo, al homenaje recibido, al teatro, al héroe, al dolor del amor perdido, a la regeneración de la vida… Los temas son muchos, las obras muchas más. Tal vez recordando estas coincidencias podamos alejarnos de los clichés del prejuicio y unirnos a las celebraciones de quienes nos llaman desde el pasado con sus voces.

Martha Enna Rodríguez Melo (Col)

Catedrática especial, categoría titular, del Departamento de Música de la Universidad de Los Andes. Miembro activo de RELEM (Red Latinoamericana de Educación Musical). Docente de Historia de la Música, teoría y análisis musical, sus trabajos de investigación y análisis se concentran en los repertorios patrimoniales de Colombia y América Latina, de los siglos XIX y XX, desde las perspectivas de identificación cultural. Ha publicado Sinfonía del Terruño de Guillermo Uribe Holguín: la obra y sus contextos (2009) y con el grupo de investigación, La música para piano de Adolfo Mejía: versiones para cuarteto de cuerdas (2007), Canción andina colombiana en duetos (2011) y Suites para guitarra 1, 2 y 4 de Gentil Montaña: versiones para cuarteto de cuerdas (2018).

La Percusión Corporal se basa en hacer ritmos con el propio cuerpo. El objetivo es desarrollar o mejorar la habilidad para crear y expresar ritmo, estableciendo el cuerpo como el principal instrumento musical. Preparamos el cuerpo para experimentar y vivir la música, danza y ritmo internamente, de la forma más natural y orgánica posible. A través de una experiencia viva, directa y dinámica descubrimos que estamos bailando la música que estamos creando con el cuerpo.

Anna Llombart (Barcelona)

Bailarina, profesora y coreógrafa de claqué y percusión corporal. Directora artística y coreógrafa de la compañía Woodbeats. Co-directora de las jornadas de percusión corporal Rhytmo 2018 en Barcelona y es miembro del grupo de directores de la Coral Sant Medir.

En este taller podremos descubrir los detalles de la investigación que Mauricio lleva a cabo sobre las músicas chamánicas de Corea, él mismo esta traduciendo un importante libro sobre el tema y nos llevará a un viaje por un mundo desconocido.

Mauricio Martinez (Colombia)

Mauricio Martinez, Investigador de artes escénicas de Asia. Exbecario de India, China, Japón y Corea del Sur. Creador de enciclopedias web sobre artes escénicas de Asia, canal de Youtube y página de Facebook. Creador de Música de Asia Internet Radio.

El canto ritual es una exposición que aborda la temática del canto dentro del contexto ceremonial, referencias culturales del canto sagrado en las historias de origen, rituales de sanación y ordenamiento territorial de los pueblos de Abya Yala.

Felipe Kilakeo (Chile)

Felipe Kilakeo de origen Mapuche-Qolla, es medico naturista y músico. Investigador de ciencias espirituales y artes medicas de los pueblos originarios. Director de ceremonias y rituales con plantas de poder del territorio andino.

Tendremos la oportunidad de escuchar nuevos lanzamientos musicales de Latinoamérica, mezclas entre lo ancestral y lo contemporáneo; músicas clásicas, tradicionales y populares. Será una selección musical muy interesante los últimos 5 años,  para escuchar y disfrutar de nuestra música, apoyar a artistas que no tienen difusión comercial.

Comenzaremos la mañana, alineando la energía del cuerpo y del espíritu haciendo ritmos con nuestro cuerpo y nuestra voz. Tomando conciencia de los ritmos de nuestro cuerpo. Haciendo poliritmias permitiremos que la energía fluya por nuestros meridianos y estaremos preparados para la experiencia única del festival. Los espero!

Fao (Colombia)

Fao, Músico compositor e investigador del ritmo como fuente de creación. Estudió composición musical electroacústica en la universidad de los Andes de Colombia y vivió mas de 10 años estudiando músicas tradicionales en Asia y Medio Oriente.

En el sur de India, Sol significa sílaba y Kattu grupo, así que el Solkattu es un grupo de sílabas usadas para la comprensión de estructuras específicas en la ritmología India, Por otro lado Konnakol viene del Tamil Konni (recitar o decir ) y Kol (Reinar o Gobernar), es decir, reinar sobre lo que se dice o algo así cómo el gobierno de la lengua. En ésta serie de talleres harémos un viaje desde ejercicios elementales del Solkattu y verémos por qué el Konnakol es considerdo cómo la madre de todos los instrumentos de percusión. Haciendo uso de metáforas y juegos, nos adentrarémos hacia diferentes niveles de conciencia rítmica haciendo úso de sólo dos instrumentos: la lengua y las manos.

Ricardo Martínez (Colombia)

Ricardo Martínez es un compositor, productor musical, violinista y educador Colombiano, fundador del proyecto de ruedas de tambores institucionales Hayah. Ha impartido talleres de Solkattu y Konnakol en varios países cómo Italia, Holanda, Alemania, Perú, entre otros. Ha sido docente de música durante más de 13 años en escuelas que fomentan diferentes pedagogías alternativas de la música.

Este taller está dirigido a dar a conocer el universo sonoro (sistemas musicales, técnicas específicas) que ofrecen instrumentos como la quena, la flauta traversa metálica, el bansuri hindostani, el ney turco y el kaval búlgaro, y cómo estos, desde una perspectiva y uso creativos, se pueden influir los unos a los otros dando nacimiento a un proyecto artístico que no busca necesariamente reproducir de manera pura alguna tradición en particular. Para esto contaremos con la participación en vivo del proyecto “Ser o Dúo”, conformado por Tomás junto al guitarrista chileno Moa Edmunds, agrupación que trabaja con estos conceptos y ejemplificará en vivo lo conversado, interpretando piezas musicales que han nacido desde estas reflexiones.

Tomas Carrasco (Chile)

Tomas Carrasco es un vientista chileno que ha desarrollado su labor en el ámbito de la investigación e interpretación de instrumentos aerófonos procedentes de diversas culturas y tradiciones musicales. Por ejemplo la flauta traversa, la quena, el siku, el kaval búlgaro, el shakuhachi japonés, el bansuri hindostani, el ney turco. Ha participado en proyectos musicales como “Ajayu”, “Orquesta andina”, “Zeptelar”, “Antonio monasterio ensamble”, “Camilo Gomez grupo” y “Ser o dúo”. Se encuentra actualmente en un viaje por India y Nepal, participando en conciertos y festivales, dando clases en universidades y llevando a cabo su proyecto documental “Sonidos nómades”

En el taller conoceremos este nuevo y mágico instrumento llamado Handpan. Comprenderemos la ecuanimidad de las manos, la arquitectura básica del handpan, y también tendremos una introducción a las técnicas de conga en handpan.

Miguel Alfredo Santamaria Jr

Miguel Alfredo Santamaria Jr es un músico colombo-estadounidense que deriva su estilo de explorar los límites técnicos y conceptuales entre la lucidez y la improvisación.
A través del uso personal de la práctica enteogénica y más de 15 años estudiando y tocando percusión, Miguel se esfuerza por impulsar las posibilidades y la aplicación del handpan mediante el uso de Loop stations, canto de garganta, mantras y composiciones cerebrales que aún se mantienen fieles a la naturaleza lúdica de improvisación innata en todos nosotros. Actualmente cura y ocupa un espacio con Merkabah Sound en un entorno ceremonial, y realiza sus composiciones basadas en bucles acústicos / electrónicos bajo el nombre de Sunsetter.

El Sábado se abordará la música indostánica (Norte de la India). Abordando temas de terminología, el ciclo rítmico (avarta), divisiones y subdivisiones, ejercicios de percusión vocal (tattakar), ciclos rítmicos (talas).

El Domingo se abordará la música carnática (Sur de la India). Abordando la matemática rítmica, los elementos principales (tri-ang), Pañcha-jati-bheda o 5 divisiones rítmicas principales, frases y composiciones rítmicas (korvai, abhiprayam, thirumanam, etc) basadas en adi talam, con percusión vocal y conteo.

Todo este conocimiento podrá aplicarse a cualquier instrumento, ya sea de percusión, melódico o inclusive danza.

Rasikananda Das (Argentina)

Rasikananda Das toca tabla desde 1987, es fundador y actual director de la escuela SaRGaM de música de la India fundada en 1995. Licenciado en música indostánica con especialización en Tabla en Gandharva Mahavidyalaya. Galardonado con los premios “Friend of India Award 2002”, “Gandharva Mahavidyalaya Puraskar», entre otros. Es autor de “TinTal!”, primer CD de tabla solo tradicional en el mercado discográfico de Latinoamérica, editado y distribuido por el sello RGS Music Argentina.

A través del Shakuhachi, Rodrigo nos llevará a un mundo musical fascinante y misterioso, la música japonesa clásica y tradicional. Abordará detalles musicales, su lenguaje, construcción, y por supuesto la cultura y sociedad japonesa tanto antigua como contemporánea.

Rodrigo Rodríguez

Rodrigo Rodríguez es un reconocido Maestro de shakuhachi y compositor nacido en Argentina, pero criado en España. Es además compositor y productor musical. Estudió música clásica y tradicional japonesa con el reconocido maestro de shakuhachi Miyata Kohachiro en Tokio.

El taller es sobre la antigua forma de canto artístico de Siberia: el canto de garganta. Kuular nos contará la historia del canto de garganta, demostrará sus diversos estilos y nos enseñara como hacerlo.

Alex Kuular (Tuva)

Alex Kuular es músico, cantante de garganta. Combina el canto de garganta tradicional de Tuva con estilos de música moderna. Fue finalista del concurso de televisión ruso “The new star” y “Russia’s got talent”. Fue creador de una clase maestra por internet “Find your voice nature” con más de dos mil estudiantes de todo el mundo.

El taller nos ofrecerá una introducción a la música modal, a través del estudio de un repertorio variado de músicas de Grecia, Turquía, Balcanes y Medio Oriente, tanto de géneros populares, clásicos como obras de tradición espiritual. Adentrándonos en un estudio sobre el funcionamiento de los modos, hablaremos de temáticas como la interpretación, la ornamentación, la improvisación, el tiempo, los intervalos de microtonos y la composición de significado.

Christos Barbas (Grecia)

Multi-instrumentalista y compositor, es un músico de los mas multifacéticos y creativos. Estudió musicología y etnomusicología, se centra en el estudio del Ney y la música Sufí y clásica Otomana, y toca varios instrumentos de diferentes culturas musicales (kaval, piano, bansuri, irish whistles, acordeón, guitarra, chelo, etc.) Su mayor interés es el acercamiento a las músicas ancianas, sagradas, clásicas y populares.

El taller va a abordar muchos aspectos de la música africana, su lenguaje y su construcción. También Mamour va a tocar algo de música con sus hijos, y ya que vive en Brasil, nos va a contar las relaciones de la música africana con la brasileña.

Mamour Ba (Senegal)

Proveniente de una jerarquía familiar de origen senegalés, inició su vida artística a los 7 años. Se licenció en Arte por la Universidad de Arte de Dakar, habiendo participado en varios grupos de investigación dentro del continente africano. Hizo intercambios en varios países como Francia, Bélgica, Alemania, España y actualmente en Brasil divulga junto a sus dos hijos, la extensa historia de la música senegalesa.

El Mamo o lider arhuaco Arwa Viku (Crispín Izquierdo Torres) de Colombia, desde los sonidos de la sierra Nevada de Santa Marta, nos dará la bienvenida, nos bendecirá el festival, con una ceremonia natural en donde tocará instrumentos tradicionales, hablará de la cosmovisión indígena, la música, los procesos de sanación de la Madre Tierra, la medicina ancestral y su fundación de tradiciones indoamericanas de Colombia.

En alianza con BiblioRed Bogotá, tendremos un concierto gratuito, transmitido en vivo a través de su canal de youtube: BibloRed Bogotá. El en vivo será desde el hermoso auditorio de la biblioteca Virgilio Barco en Bogotá, con una muy buena puesta en escena, luces y sonido.

3Golpes (Colombia)

3Golpes es un ensamble de Bogotá mayoritariamente de percusiones. Siempre suenan diferente ya que usan el método de dirección por señas, entonces su música es creada en el instante, sin preparación, es espontánea y fresca. Los intérpretes van tejiendo una maraña de ritmos que el director va esculpiendo y el resultado es fantástico! Es una fiesta rítmica!